励志的句子为大家准备了这篇关于“好莱坞读后感”的内容，读完作品，想必您有很多想表达的内容。写读后感要简要地说明原文有关内容，重写有感，不要重点介绍，偏离主题，读后感怎么能写好？读完这篇文章后请不要忘记与您的朋友们分享这些有益的知识！
好莱坞读后感(篇1)
表白日在别的平台报名参加共读活动，所以必然看的是爱情小说，这一周晚上却连加好几天班，幸好晚上看完了，共用了两个半小时。本以为会是什么老气横秋的美国故事，结果发现是两个小孩的初恋，他们既是邻居又是同学，可故事却不是我以前很羡慕的那种青梅竹马的恋情。
一开始男孩很讨厌朱莉安娜（原谅我只记得妹子的名字了），朱莉安娜却对他的蓝眼睛一见钟情。两人爱好性格什么的完全不同，从来没有玩到一块去，朱丽安娜很热情也很聪明，男孩就比较敏感，比较胆小，还有洁癖。最让我关注的是：朱莉安娜主动接近他，给他送自己孵化养大的母鸡们生的土鸡蛋，他却因为看到车库里的蛇吃鸡蛋的过程而对鸡蛋感到很恶心，还找借口说朱莉安娜家的院子不干净。而朱莉安娜一家受男孩父母邀请去他家聚餐时，也很新鲜地吃到了鱼子做的菜，她内心开始也觉得不能接受，但适应很快。
朱莉安娜是一个相当勇敢的女孩，她喜欢爬树，那棵大无花果树，她也敢于去要求别人别砍这棵不属于她的树，她为此上了报纸，男孩说她家院子脏，她马上就想着去改造院子，这才知道原来家里住了十二年的房子是租来的，父母认为维护房子应该是房东的事情，他们之所以会善待屋内自行修缮是为了防止房东涨房租。尽管如此，朱丽安娜还是动手了，她执行力很强，还感动了男孩的外公来帮忙，家里也不那么无动于衷了，困难一点点地被她化解
男主角的外公说：有些人外表平庸，有些人外表华丽耀眼……但是，你总会遇到一些人，由内而外地散发着彩虹般的光芒，一旦遇见过，别人对你来说都不过是浮云。
男孩可能是突然发现朱丽安娜就是这样由内到外的耀眼。她勇敢，但遇到男孩也变得逃避，男孩懦弱，但却突然变得勇敢。我想这是互相影响，性格是两面的，行动力差却更善于观察的男孩，给她种下属于她的无花果树迈出了勇敢的一步。
好莱坞读后感(篇2)
奥斯卡历史上只有两部默片获“最佳影片”奖，一部是1927年的《翼》，即奥斯卡的第一部最佳影片，第二部就是《艺术家》。这是一部关于电影的电影，它启发观众，电影的进化不是一蹴而就的。从无声电影、声音、色彩、宽屏到三维立体图像，每一各阶段都不是分离的，而是相互重叠、相互渗透、相互推进的。每阶段都曾辉煌，每个形式都造就过卓越的艺术家。
他们的光芒会渐渐黯淡，而成就化作电影的足迹。
是什么感动了我？进影院之前，我原猜想《艺术家》会以黑白有声形式，拍一部默片时代的故事。结果放映开始才发现是黑白默片，窄小的画幅，发黄的旧影像，还伴着沙沙的胶片声。
男主角亮相，造型夸张，油头粉面，剑眉入鬓，嘴角翘翘着两撇人造小胡，朱唇微露皓齿，光闪闪像旧中国夸富的金牙。女主角身条流丽，袅袅婷婷，影影沉沉一双妙目，顾盼间光彩照人。双双高调出镜，背景为20世纪初加州小镇上的摄影棚。
先一个蓝天白云远景，烘云托月，后切入面部特写，心情欢畅，乃早期默片心理表现主义手法。间或黑底白体的字幕，提醒你在看货真价实的默片。恍惚间不知身在影院，还是教室里观摩资料片。
我一直提着心，期待形式会转换成有声片。毕竟已是3d时代，谁还会真拍一部黑白默片呢？不过烘托一下时代氛围罢了，等故事情节发展到20世纪20年代末，便自然会出现对话，在片尾或转为彩色的也未可知。
但导演很沉得住气，情节到好莱坞经理让乔治观摩新发明的有声技术，但自负的“艺术家”嘲笑它是马戏团的勾当，拒绝扮演说话的角色，影片《艺术家》仍保持着沉默。说到配乐的成功，没人愿意花钱再看一遍哑剧。乔治自己买票欣赏这段幽默的对话，但哑剧仍然出现在我面前的屏幕上。戏结束时，乔治挤出了电影院的大门，一位龙钟老太太颤抖着向他走来。
乔治心一动，竟有忠实的老观众还记得他这位当年的“万人迷”？不，老太太来逗他怀里的小狗。自此之后，影片出现音响效果，一只钢勺从早餐桌上掉下，“当啷……”，主人公一惊，但仍说不出话来，他的世界仍是表现主义的
《艺术家》回顾了好莱坞史上一场最深刻的革命。虽然早期的电影被称为无声电影，但它们从不沉默。当时，电影院通常要求乐队在银幕前的音乐池里演奏，有时还用留声机来烘托气氛。有别出心裁者，录下飞机的轰鸣声和枪炮的爆炸声，给战争片加点作料，如默片《翼》（wings）在1927年首映时就已炮声隆隆了。
但技术上的难题是如何让声画同步，使二维影像与音响合成，虚拟一个有现实质感的世界。这是一个漫长而艰难的过程。只有通过录音、录像、播放、放大等方面的创新，技术才能逐步成熟。华纳兄弟是有声电影的先驱。它最初专门制作新闻片。新闻片需要配音来解释战争。因此，它的音效技术是领先的。
两次世界大战期间，美国影院跟中国20世纪六七十年代放电影相仿，故事片前总有“加片儿”，美国观众从新闻记录片里了解美军的胜败。但故事片需要说话吗？华纳兄弟意见不一。
大哥哈利·华纳（harry warner）就不信，“谁会见鬼到影院听演员讲话？”弟弟山姆（sam warner）却认为公司的出路在于尝试新型电影。
没有人能预测有声电影的商业前景，他们在挑选演员和写剧本方面更有效。默片原本很国际化，演员来自四面八方。像《艺术家》的主角乔治便是意大利裔，其原型是“女性杀手”级别的默片巨星鲁道夫·瓦伦蒂诺（rudolph valentino，1895—1926），只要演技好，外表漂亮，形体表现力强，便是好演员。
有声片的要求不同，演员嗓音要好，讲话没有口音，声音还须表现力强。更重要的是，无声电影的戏剧夸张不再适用。有声电影需要低调、写实地模仿生活，而形式化、表现性的表演技巧则逐渐远离电影。观众想象自己偷窥别人的生活，演员则配合观众，假装浑然不知地“过日子”。
很多外籍演员被有声电影淘汰，本土演员也得由校音师训练发声。1952年金凯利主演的《雨中曲》，演绎了默片演员学习有声表演的故事。剧本创作变化更大，善写对话成了编剧的看家本事。
美学上，电影理论家对有声片也看法不一。苏联蒙太奇大师爱森斯坦认为，电影的本质是表现主义，蒙太奇可以形成表意系统。另外，声音也不同，偏离了电影艺术本身的特点。法国理论家巴赞针锋相对，嘲笑默片是被拆除的“影像古堡”，精英们因害怕声音带来的现实感，才倍感绝望。
声音不是形像的陪衬，让声音和形像一一对应。相反，声音应该限制镜头的使用，使光影呈现在空间的自然连续性和心理逻辑中，从而抛弃蒙太奇的隐喻和符号。巴赞说，现实主义风格是电影的本质，无声电影更接近舞台艺术，而有声电影则延续了现实主义小说的传统，所以这两种形式都被从根本上打破。《艺术家》反映了电影转向的关键时刻，乔治拒绝说话，嫌声音“不艺术”，折射默片精英的最后一搏。
时代车轮滚滚前行，1927年第一部有声故事片《爵士歌手》（the jazz singer）诞生，对话虽不太多，但声画同步，而且每首歌都配了音，结果票房大获成功。从此，有声片一发而不可收，默片黯然退场。还有个意外的后果，电影公司为取悦观众，不仅淘汰英语非母语的演员，就连原本沾沾自喜的英国裔演员也下了岗，美国乡音渐大行其道。
好莱坞电影的民族化正在兴起。美国的价值观、习俗和文化偏见渗透到对话中并得到加强。与此同时，欧洲电影也同样随有声技术渐趋民族化。故事片对话的分量不断凸显，由于各国语言不通，促生出进口片翻译、配音这个行当。
声音电影改变了信息传递的方式，复杂而丰富的民族意识和地域习俗跨越了国界，民族意识形态也被隐藏起来。各国政府出于对文化侵略的担忧，纷纷控制进口影片的流向，实行配额制，确定国产影片和进口影片的比例。从此，电影不再是国际艺术，而成为我们熟知的“国别电影”（national cinema）。
默片时代一结束，好莱坞便进入黄金时代，据说美国人口中有八成常光顾影院，民族化的影业反过来塑造了大众文化的美国特性。上世纪二三十年代，欧洲移民刚刚踏上新大陆。他们遇到的第一个困难是融入主流社会。新移民从最底层工作干起，含辛茹苦，日夜劳作，身处社会边缘。
他们离开家是为了实现他们的美国梦赚钱和加入中产阶级。廉价电影不仅是新移民能够接触到的文化生活，也是了解美国的窗口。主流社会如何举止打扮，怎样生活起居，劳累一天的人们坐在黑暗的放映厅里，眼巴巴从银幕上窥视浪漫化的美国生活。
他们更倾向于相信虚构的美好生活，并确定在异国他乡漂泊、承认异国他乡为祖籍的初衷。大明星亨弗莱·鲍嘉（humphrey bogart）、加里·格兰特（cary grant）、马龙·白兰度（marlon brando）的举手投足、持身接物、衣着打扮，都是模仿的样板。标准绅士、铁血硬汉的口头禅、俏皮话更让学习英语的移民青睐。
西部片夹杂一些极具种族色彩的台词，迅速广为流传。一句“只有被打死的印第安人才是好印第安人”（the only good indian is a dead indian），曾被反复引用，花样翻新。二战时欧洲战场的美国大兵会说“只有被打死的德国佬才是好德国佬”，太平洋战场又用在日本人身上，朝鲜战争和越南战争继续套用这个句式。
随着移民融入主流，美国的文化景观也发生了变化，新主流重塑了后来的移民。犹太作家伊斯雷尔·赞格威尔（israel zangwill）1916年的戏剧《熔炉》（the melting pot）有句台词：欧洲所有民族在这个伟大的熔炉里融化和重生。
“文化熔炉”恰如其分，其催化剂便是电影，很大程度上，美国城市文化是电影文化。从默片到有声片，不仅是电影形式的创新，也是一场文化革命。许多乔治这样的艺术家被时间的尘埃淹没，而电影在沉默的余烬中浴火重生，跃升为现代艺术星空里最闪耀的一颗。
奥斯卡历史上只有两部默片获“最佳影片”奖，一部是1927年的《翼》（wings），即奥斯卡的第一部最佳影片，第二部就是今年的《艺术家》。这意味着默片的复活吗？不，历史不会倒转，《艺术家》也非向爱森斯坦致敬，主张默片为“真艺术”。
导演不保守，甚至说不上怀旧。片中确实不少场景、镜头模拟经典默片的桥段，向似水年华致意，如女主角最后一分钟营救乔治，模仿格里菲斯1913年的默片《死亡马拉松》（death’s marathon）。他们二人的荣辱沉浮，又颇似1937年的《一个明星的诞生》（a star is born）。
但不能因此说它是仿旧作品，相反，它很先锋，在“戏仿”好莱坞的经典叙事。
所谓好莱坞经典叙事，是黄金时代美国电影摸索出的一套行之有效的叙事方式：情节依线性逻辑和时间顺序讲述，中心角色的心理动机统摄故事的因果关系；影片按效率原则结构，让信息最大化，情节紧张，配以自然布光和充分场面调度，烘托悬疑和戏剧冲突。当观众移情到电影编织的两小时“白日梦”时，便得鱼而忘筌，再现形式在情迷神往中悄悄隐去。
而《艺术家》却与经典叙事的透明性反道而行，张扬默片的表现形式，压抑我们习以为常到视而不见的现实主义形式。随电影情节发展，会感到默片形式时时面临危机，内容与形式之间充满张力，情节渐渐退居背景而反衬出形式。观影过程中我始终焦虑着，默片何时转向有声，恢复习惯的欣赏口味？
导演却吊足胃口，调动你所有电影知识，逼你反思电影形式本身，细细把玩直到结尾，电影公司老板才说出一句无关紧要的台词，主角始终缄默。一部关于电影的电影，启示观众电影的进化非一蹴而就，从默片、声音、彩色、宽银幕到3d立体影像，各阶段不是割裂的，而彼此重叠、相互渗透、渐进而来。每阶段都曾辉煌，每个形式都造就过卓越的艺术家。
他们的光芒会渐渐黯淡，而成就化作电影的足迹。
电影是时间性的艺术，恰如我们的生活，既年命朝露、盛衰有时，又后浪推前浪、势不可挡。才经历过的，尚未驻足回望，已新浪潮涤荡，了无痕迹。刚呐喊出：
展望未来，迎接挑战。余音袅袅，已陈词滥调。一唱出“我们的未来不是梦”，歌声未罢，已一枕黄粱，梦醒犹恋。
过时乃时间的本质，无论你态度多开放，与时俱进的意愿多强烈，今日艳绝一时，明日黄花蝶愁。乔治的沉默是我们共同的宿命。记得几年前，王朔批“80后”泡沫，“80后”集体震怒，回骂王朔到更年期，嫉妒年轻。
王朔靠青春反叛起的家，跳着脚吼：你们也有老的时候！“80后”犟嘴：
我们风华正茂，没有你老！才过几年，恰同学少年已黄脸臃肿为人母，轮到“90后”嫌他们絮叨了。连生老病死也争个眉眼高低，可叹近视已到盲目。
原以为只有蜉蝣及夕而死，蟪蛄不知春秋，人竟也不懂寒来暑往，盛极必衰。
电影《艺术家》高明之处，是不以今人评故人，不因电影技术昌明而沾沾自喜。电影已过百年，我们后知后觉，比前人眼界开阔些，却无资格居高临下。螳螂捕蝉黄雀在后，今人还会被后人指点。
片中最让人感动的是时空阻隔不断、仍可息息相通的情感。乔治一生悲喜源自对电影的深爱，电影不仅是娱乐消费，更是追求完美的艺术境界。“白日梦”的浪漫与现实中的无奈，对他一样是生命的时时刻刻。
这份感情不因时间流驶而锈蚀，也不随星移物转而变质。时间虽是世界的法则，人性却可穿越时空。古今人不相远，尽管时过境迁，我们仍可心契魂交，此片关乎恒久的人情物理，而非物竞天择的进步宣言。
好莱坞读后感(篇3)
六年级习作 《卡萨布兰卡》是属于奥斯卡好莱坞黑白著名电影片。
主人公是rick——一个看似冷漠无情，生活乏味的男人，逃亡到了卡萨布兰卡，在此安居下来，开了一家咖啡店。
似乎是造化弄人，他碰上了旧时的情人——伊尔莎，而此时的伊尔莎已经公开和维克多成为名义上的夫妻，可是伊尔莎还爱着rick，造成了著名电影中少有的“三角关系”，最后，rick原谅了伊尔莎，伊尔莎与维克多登上了飞机，rick与一名军官也建立了友好关系。牵扯到了救赎。伊尔莎救赎了rick，因为她使rick不再冷漠乏味，变得对生活有了信心、理想，同时对自己的人生有了希望和光辉；rick救赎了伊尔莎，因为在最后时刻，为了伊尔莎逃离，杀害了一个高贵军官，同时他与雷诺上尉的友好关系明显可见——雷诺没有揭发rick。
《卡萨布兰卡》这部影片是以所在地名命名的，他们在这卡萨布兰卡走过了许许多多曲折坎坷的心里路程和蜕变过程，每个人都发生了变化，改变了自己的看法和缺点以及一直执着的，学会了忍让，学会了放弃，学会了祝福，因为祝福别人等于救赎了自己。
背景**是一首著名的失踪**，在电影拍摄过程中反复出现，让人哭笑不得。整个情节都是由这个背景完成的**，然后由这个背景向后看**，直到雾反射回来。女主角伊尔莎完全矛盾。一方面，她不想听那首让她伤心的歌。另一方面，她喜欢听这首歌。似乎她在整个过程中都在折磨自己。与此同时，rick本一辈子也不愿意听到这首曲子，却因见到自己所爱的人早成他人之妻，痛不欲生，想了结掉自己，一边喝酒一边对汤姆说：
“她受得了，我就受不了么？”这个**完全是可以把人带回以前的，所以，发展了剧情，增加了观众趣味，也是其得到奥斯卡奖的一个重要之处。
让我们来谈谈主人公里克，他冷漠，不人道，远离世界。当然，这是因为女主角。他不听女主角伊尔莎的解释。孩子生气地拒绝了她，独自一人喝酒。最后，他知道伊尔莎被真相原谅了。他祝福伊尔莎和维克多，和他的朋友雷诺一起消失在云端。
仍念念不忘的一个影片片段就是在最后结尾了。
一个飞机场，从这里来，又要回那里去了。三个主人公：rick、伊尔莎、维克多，发生“三角”事件的主要中心人物，rick没有嘲笑讥讽维克多，反而友善地对待他，宽恕了他们。：
“‘你准备好了吗？伊尔莎？’‘我……准备好了’”伊尔莎如此不决断的言行举止可见，她是对卡萨布兰卡的留恋、对rick的悔意，卡萨布兰卡的rick和在巴黎的rick是不一样的，更加成熟了，更加人性化了。
卡萨布兰卡对他们来说就是改变他们的地方，伊尔莎的眼睛里出现了薄雾，于是整个环境都是雾，都是很忧伤、很悲凉的感觉，她的眼睛里有痛悔、留念、悲伤、凄凉，百感交集，嘴唇紧闭着，长长的睫毛遮住了她的泪水，双手紧紧地攥着维克多的手，注视着rick，有可能永远见不到他了。一声召唤，他们只得依依不舍地登上了飞机，就在这时，要捉维克多的军官到了，里克拿出了手枪，军官看似不畏惧地拿起了**，要追拿他们，于是，里克不得已的扣动了扳机，打死了军官。最后，雷诺和里克在雾中行走，飞机飞向雾中，这似乎表明：
两个人走不同的路是因为他们对彼此了解太少。
影片情节曲折，内容丰富，发人深省。值得观赏和回味。
好莱坞读后感(篇4)
课件****5yk
6月26日下午，下了一点雨，街上几乎没有人。我和爸爸、妈妈一起去喜马拉雅中心看《横冲直撞好莱坞》这部新上市的电影。
我们把车停在了迪卡侬，走了过去。当我到达喜马拉雅山脉的中心时，我看到了地图。电影区在七楼。两边各有两部电梯。我们把其中一个带到七楼。
到达七楼后，首先映入眼帘的是很多售票机。售票机旁边是一家像便利店一样的小商店。收银机前排起了长队。有的想买爆米花，有的想买饮料，有的想买香肠。
我们先是通过售票机拿到票，然后我们找到了自己的电影厅和座位。几次广告之后，我们期待的电影开始了。里面的好莱坞特技让我不敢相信：车开到斜坡上飞起来，站在地上的人竟然能接到破碎的车窗里的人。
有些地方很搞笑：三个人骑着一辆“三轮摩托车”，就是在摩托车旁边加了一个座位，突然，座位下面的轮胎瘪了。
通过这部电影，我明白了一个道理：你做一件事很认真，没有发现，继续做下去，一定会成功的！
课件****5yk
好莱坞读后感(篇5)
范·迪塞尔主演的《极限特工3：终极回归》上映以来，很多人对本片产生质疑，或者认为这是一部无脑烂片，除了特技之外别无他长。其实，《极限》系列电影本身的噱头就是双特：特技+特工，以不可能挑战不可能。
与前两部一样，在本片里范·迪塞尔依然因循了特技夺人眼球的套路，从开始的高山信号塔滑“旱冰”+轮滑，到骑摩托车与甄子丹在水面上飙车，再到最后的不带降落伞高空跳机，都体现了这种“玩命”精神，一次次地挑战常人的心理极限，一次次地挑逗着观众的荷尔蒙。在特效技术日渐完善的今天，观众的审美水平不断高涨，类似的桥段不断出现造成了审美疲劳。非创新性的特技，很难引发观众的惊叹。在《极限特工3：终极回归》里，高山滑板、水上摩托冲浪也算得上一种创新。更值得一提的是，狙击手从范·迪塞尔弯曲的指缝中间直接击杀恶人的桥段，的确令人称奇。这也正是在别人看似不可能的时候，实现了不可能的可能。
《极限特工》，顾名思义，就是从事极限运动的特工。在我们常人看来，从事极限运动的人都是视危险如家常便饭的人。简单粗暴的说就是一群亡命徒，口语点说就是不要命，优雅一点地说就是一群游走在死亡边缘的人。对于这样一群人来说，及时行乐是必须的。因此，就有了剧中“打打架、泡泡妞，别忘了耍帅”的经典台词。剧中帅哥、美女、豪车、派对，以及嘈杂吵闹的背景音乐。对此，也引起不少观众诟病，认为这与主题无关，颇有混充篇幅的嫌疑。事实上，这也正体现了这些极限运动者异于常人的人生观和价值观。正是因为有了异于常人的思维，才成就了挑战不可能的人类极限的成就。《极限特工3：终极回归》的故事情节虽然漏洞百出，但极限运动的特效勉强弥补了故事情节的漏洞。所以本部电影虽然没有讲出一个好故事，但绝对是个感受荷尔蒙刺激的视觉片。
如果非要从《极限特工3：终极回归》中再找出一个挑战不可能的例子，那么一定就是配角的选择了。大多数人都希望演主角，站在舞台的最中央，被人崇拜。但很多时候配角也十分出彩，或者是演技彪悍，或者是容貌惊艳，或者插科打诨，有些甚至能够抢了主角的光彩。在《极限特工3》里，甄子丹的配角形象还算差强人意，一贯的表演方式和武打动作虽然没有什么亮点，但也没有大的疏漏。托尼贾虽然也跑了龙套，但也小秀身手，还称不上挑战不可能。真正挑战不可能的例子就是吴亦凡。被称作“兜帽男”的`吴亦凡在剧中的“极限”特技据说是DJ，非常善于煽动气氛!这是上帝派来逗我们的技能吗?为了让这一技能得到表现的机会，导演安排在本可以一枪撂倒目标的时候，让吴亦凡使出了“氛围”技能，让场面一片混乱。然后呢?就没有然后了。在后来的飙车戏里，吴亦凡的特技也完全没有发挥的余地，几乎被疯狂的飙车吓傻了。那夸张的表情似乎一直在提醒观众，自己只是个跑龙套的。当范·迪塞尔从跳伞的废墟中走出来向大家打招呼的时候说：“没有录像的话，没人会相信的”。这时，吴亦凡傻呵呵的走出来，拿着不知道从哪里搞来的摄像机说：“放心好啦，我全录下来了。”这龙套跑得，也没谁了。称他为“迷之存在”丝毫不为过。从整体来看，这个人物基本可以去掉，丝毫不妨碍整个剧情发展。所以吴亦凡也是以不可能挑战了不可能。当然，剧中的龙套也并不是都那么不堪，赫敏·科菲尔德饰演的技术宅就非常抢眼，话唠、花痴、歪打误撞，都能够引发观众笑点。这个龙套，给人留下了深刻的印象，比较值。
总的来说，排除剧情不够严谨、龙套过于牵强等因素，总的来说本片还是一部值得观看的影片。
好莱坞读后感(篇6)
朱莉贝克真的是一个好女孩。她开朗大方又率真，谁看到她都会喜欢她，哦，除了布莱斯。
布莱斯真的是一个好男孩。他有一双蓝色的迷人的眼睛而不自知。他会犯错误，但会改正，虽然过程长了一些。
朱莉贝克真的是一个幸福的女孩。她有一个通情达理的妈妈。不想让孩子养狗，却收养了冠军直到它自然老去。不想让孩子养鸡，结果她家的鸡蛋多到吃不完。她有一个朋友一样的爸爸。会跟孩子约定一起去爬树，会支持孩子的学校活动并亲手做一个孵化基地，会用一副画教给孩子人生的真谛。
布莱斯真的是一个幸福的男孩。他有一个开明睿智的外公。梧桐树事件、鸡蛋事件、院子事件，毫无疑问，外公是布莱斯和朱莉贝克的神助攻。“一个人的性格是在童年时代养成的，你现在做出的选择将会影响你的一生。”如果没有外公的提点，这个不开窍的布莱斯，会看到朱莉贝克的闪光点吗？
可是，傻孩子布莱斯，你真的明白自己的心吗？在餐厅里，你要吻她的那一刻，你的脑袋里在想什么？那肯定不会是爱情。
也许，小梧桐树长大后，某一天，你和她并肩而坐，远离地面，被风吹拂，你的心会突然被狠狠地撞了一下，那种感觉，就是怦然心动啊……
好莱坞读后感(篇7)
这真是一本“好纯”的言情小说，整本书里只有一次牵手和一个未完待续的初吻。作者把两个小孩成长的心理描绘得太过细腻，借着两个小孩的成长，表现了不同教育理念的交锋。
因为是看完电影才来看小说，所以会不自觉地比较两者。我得说，电影在情绪地推动上特别好，因为时长摆在那里，毕竟不能像小说一样把大段的心理描写加进去。这种不同，突出表现在两家聚会时，布莱斯的心理。电影中是布莱斯已经开始十分在意朱莉，很期待这次聚会，为了见面对自己的衣着颇为纠结，想表现得帅气但又不希望朱莉发现自己过于在意她。当朱莉对他说，她很生气，再也不会和他说话，然后转而去聊永动机时，布莱斯的反应是：“我的意思是，我的心都碎了，他们竟然还在聊永动机？！”
随后，我们跟随小男孩的情绪渐渐进入影片的高潮——午餐男孩，我们为小男孩在这个情节中的主动而喝彩。这里电影完全省去了女孩们投票选男孩的情节，省去了朱莉的心理和为什么她要竞拍别的男孩子的原因。电影中只用没人竞拍而朱莉竞拍了一笔带过，因为前面的情节铺垫已经让我们心中有数，朱莉的善良，一定会让她拍下这个男孩，至于是不是因为她投票而被迫使这个男孩站到舞台上，而朱莉又是不是出于心中有愧才拍下他，这些对于电影的情绪来说并不重要。
电影中唯一一个不如小说丰满的形象是利奈特。虽然影片也表现了父女之间的冲突，但从因为鸡蛋可能有沙门杆菌而拒绝吃鸡蛋，再到后来她对父亲的反抗，这个过程中形象其实稍稍有点脱节。小说中这个姐姐叛逆又可爱，还带有一点小娇气，和麦克马特一起玩音乐，穿超短裙化浓妆，都表现着她的叛逆。但是看到蟒蛇的消化方式又觉得恶心，听闻鸡窝邋遢到不行便排斥吃鸡蛋，这些细节又表现着她的娇气可爱。她热爱音乐，所以最后和父亲爆发冲突显得更为合情合理。电影并没有过多地表现这个角色，没有拍在晚宴上她拿出CD机对抗父亲，说这是她听过的最好的音乐这部分，只是表现了两者冲突爆发后，父亲给她的一巴掌。也许是因为电影导演并不想过多黑化布莱斯爸爸这个人物，没有将矛盾冲突像小说那样过于尖锐化。但我觉得把姐姐这个形象稍稍削弱了实属遗憾。
朱莉这个小女孩实在是太美好了，小说更多地展现了她的心理。比如对于孵蛋这个项目的描写，展现了她很多美好的一面。对于老师来说，这是一个很好的项目，她需要有个能完成的人来做，朱莉只是恰好是她的选择。所以当朱莉担心自己会养死这群小鸡时，老师关心的是：别担心你会有分数的，这个项目我们每年都做，每年都是科技展上最优秀的作品。而朱莉关心的则是：“我在担心一个小生命在我手上夭折，她关心的竟然还是分数！”
不论是冠军那条狗——电影中把这部分情节省去了，从全片来说还是很合情理的——还是她精心照料的小鸡，都体现着这姑娘的真善美。
最后说说外公，电影中并没有把布莱斯的爸爸和外公的冲突放大化，小说中外公其实一直觉得自己女儿这么多年都没有看清楚一个人。所以他在听到朱莉说“整体大于部分之和”时，告诉朱莉，要重新审视布莱斯。另一方面，他又悉心教导布莱斯，害怕他真的成为他父亲的翻版。但是最让我喜欢的是，外公告诉布莱斯：“你不能因为没有发生过，他没有做过的事情，而对他多加苛责，这是不公平的。”即使他和女婿有不快，他也不会因为可能发生的事而鄙夷女婿，这真的一个很棒的人。
给三星是因为，它确实是畅销书、言情小说中的一股清流，但比起最近看的名著还有段距离。嗯，可能我比较严格。哈哈。
好莱坞读后感(篇8)
斯人若彩虹，遇上方知有~
单身狗表示不想谈男女主角这对欢喜冤家反正他们就是因为一些事的发生+人的出现+长辈提点，对彼此都有所改观吧~
想说说其他配角
最喜欢女主的爸爸——罗伯特。
特别喜欢他的画，也超喜欢他的话。
当他描画出层层风景时，那些话语总是变得温柔，似乎还有些沉重。那并不是悲伤。也许带着几分疲倦，但却充满平静。他告诉朱莉，“合适的光线就是一切。”他还说，“一幅画大于构成它的那些笔画（部分）之和。”
他身上仿佛永远保持着那种对美的敏感与渴望，但他是个务实的梦想家。对家人十分耐心，尤其是他的“智障弟弟”，感觉他是个性情温和又不乏热情的人。（日常羡慕别人家的父亲ing）
其次就是女主的两位哥哥
贝克家的两兄弟名叫马特和麦克，不过直到现在我也分不清谁是谁。他们一向形影不离。虽然不是双胞胎，两个人的长相和声音却出奇的相似。哇咔咔他们充满热情有些调皮捣蛋，勇敢而又幽默。我觉得非常像哈利波特里的双子！(•̀∀•́)超喜欢的！
爸爸从橱柜里拿出一个纸碟，切了一片派，“你们今天晚上很克制嘛。换了我，不知道能不能有你们那样淡定。”
“啊，你知道，他只是有点……固执。”马特说，“你得附和他的观点，然后跟他讨价还价。”他又补充道，“当然，我可不想要个那样的爹……”
麦克把牛奶喷了出来，“哥们儿！你能想象吗？”马特一掌拍向爸爸后背，“没门儿。对我最重要的那个人在这儿呢。”妈妈站在厨房另一头笑着说：“我也一样。”
我从来没见过爸爸掉眼泪。他没有坐在那儿大声痛哭，但泪水明明白白地从眼眶里滑落。他拼命眨着眼睛，说：“孩子们，不想再来点派配牛奶吗？”
“哥们儿，”马特跨坐在椅子上说，“我也是这么想的。”
“是啊，”麦克补充道，“我饿坏了。”
是不是挺甜的反正我认为是很甜
最后，我想说喜欢那棵无花果树！（也算“配角”吧）
这棵无花果树一直矗立在小山丘的最顶端。那儿有一大片空地，春天它为小鸟提供一个筑巢的空间，夏天它投出一片阴凉。它也是我们的天然滑梯。树干向上盘曲伸展，几乎长成一个完美的螺旋形，从上面滑下来真是乐趣无穷。妈妈告诉我，她觉得这棵树小时候遭受过损害，却生存下来了，一直屹立到百年后的今天，长成她见过的最大的一棵树。她管它叫“坚毅的象征”。
忽然间，因为爬得太高而产生的恐惧不见了，取而代之的则是一种“我正在飞翔”的神奇感觉，就像翱翔在大地之上，航行于云朵之间。我突然发现，原来微风的味道是那么好闻。它闻起来就像……阳光。像阳光，野草，石榴和雨滴！我不由自主地大口呼吸着，我的肺被这种最甜蜜的味道一次又一次地充满。
没过多久，我就不再害怕爬到高处，并且找到了一个只属于我的地方。我在那里一坐就是几个小时，什么都不做，只是向外眺望整个世界。夕阳美不胜收。有时候是紫色夹杂着粉色，有时候是烈焰般的橙色，把地平线附近的云彩都点着了。想要亲自体验这感觉或许我应该先学会爬树，不是吗？
而我开始惊讶于自己竟然同时体验到了卑微与宏大。这怎么可能呢？我的内心为何充满了平静，同时又充满了惊叹？简简单单的一棵树，怎么会让我体验到如此复杂的感情？它让我感觉到自己的存在。